中西藝術比較賞析與思考
為什麼人類需要藝術？
藝術是人類文明珍貴的產品，也是藝術家用生命智慧所創造出來的。能夠欣賞藝術，享受藝術帶來的豐美，應該是人生幸福必要的一種涵養。有些人一輩子忙忙碌碌，可能累積很多財富，卻沒能感受到人生最美好的東西，必然是一種遺憾。想藉這次講座提醒大家，其實我們身邊有很多美好的藝術，非常值得我們用心去體驗和探索。
中西藝術表現上的差異
此次講座所談的中國藝術主要指唐宋以來，甚至延伸至日本韓國台灣的藝術為代表；西方藝術則以文藝復興以來的歐洲藝術為代表。只要敞開心扉，開拓眼界，就能從中看到東西方藝術的精微處。
以建築為例，古希臘羅馬、埃及，甚至文藝復興留下的古蹟多半為石造；而在中國或日本、韓國，古代留下的精美建築大多是木構。西方大量使用幾何形構築建物，而中國建築則有個大屋頂傳統，屋頂彎曲是為了採光、通風與排水，這些是有科學依據的；若從審美來看，則呈現了天人合一，大自然的曲線多於直線，更將建築融入其中。相較於東方天人合一，西方常被認為人定勝天，這點在園林的呈現更為明顯，西方會將草地樹木剪成人想要的形狀，中國無論是私人或皇家園林，修整都希望盡量去除斧鑿的痕跡。
關於雕塑裡的思考主題，我的老師李霖燦老師曾用北魏的思惟菩薩，與羅丹《沉思者》對比中西文化，他認為沉思者肌肉緊繃、表情痛苦，絞盡腦汁深思；思惟菩薩面帶微笑、翹腳托腮，展現輕鬆的姿態，可以看出西方對哲學、科學花較多心力，取得較高的成就；而東方在文學藝術上著力較多，像是腦袋突然飄進某些東西，而有所感悟，文學表現方式也常言簡意賅，繪畫也以文人畫的簡逸風格為代表，呈現出兩種文化在思考與表現上的極大不同。
中西藝術有明顯不同的通性
在繪畫上，西方注重光影，形成了立體感；中國過去只能畫正面光的臉，且臉不畫明暗。像郎世寧畫乾隆坐在馬上，馬可以有明暗變化，但乾隆的臉不能有明暗變化。中國畫特性是線條，南宋賈師古《大士像》裡的觀音大士，頭髮細而彎曲、臉部線條淡墨，呈現柔軟質地，粗布衣衫線條較重，堅硬質地利用側鋒，並用擦塗的方式表現，中國繪畫的質感只需利用線條就能表現所有的物件。
西方透視藉由消逝點與透視線，能夠很明顯看到同一排樹，雖然樹的高度差不多，但會看到樹變得越來越小；中國畫前面與後面的人或屋瓦皆沒有大小高度差別。直到明末清初西方畫家進到宮廷才有所改變，因此可知中國畫以理解來作畫，西方則尊重眼睛看到的東西。
東西方重視的部分不同：生死、虛實、簡繁
南宋《魚藻圖》只畫出藻與魚，就得知魚在水裡游；西方畫出的魚都是死魚，像是在廚房或市場裡的魚。西方藝術難得的活魚，只出現在古希臘神話中，大魚怪能吞船、吞房子；中國畫裡的死魚，僅只是被漁夫釣起的魚。
庫爾貝的《蘋果》有光影跟立體感，每顆看起來都很厚實；南宋《六柿圖》被稱之禪畫，特色是統一裡的變化，五顆柿子排成一列，只有一顆被放在下方，六棵柿子每顆都有類似的蒂頭，其中兩顆較黑、兩顆淡墨、兩顆偏白，畫面單純不畫背景，也是中畫表現花卉水果的手法，所以不知道柿子放在桌上還是地上？西洋繪畫則一定會交代主題放在哪裡？
西方有種中國沒有的藝術，就是靜物，最早的靜物出現於宗教畫，又稱虛空畫。虛空畫指的是人的壽命有限，這幅十七世紀的荷蘭畫《虛無》右邊畫了沙漏，指流逝的時光，左邊是鮮花，鮮花是一時的，人最終會走向死亡，所以中間放著骷髏。漸漸這種畫延伸為家庭擺設，像十八世紀法國宮廷畫家夏爾丹，就以畫日常生活中的靜物知名。中國畫要到清末的歲朝清供，有錢人家請畫家畫下過年時家中擺設，這類型的畫不多，它比較接近西方的靜物畫。
中國的花鳥畫主要畫出森林中的鳥或動物，或是豢養的動物；西方一直到近五十年興起的生態繪畫，才出現比較接近中國花鳥畫的內涵。崔白《雙喜圖》可看到秋天風吹落葉，兔子回頭時，眼神接到前面的鳥，再接到後面的鳥，樹往上由另一頭迴轉出畫面，接到另一隻鳥，整個構圖呈現8字形的結構循環，是宋畫普遍的通例，展現大自然流動自足的畫面。這隻兔子不用刷子塗抹上色，每一筆都由線條揮寫，這是中國畫的畫法；油畫畫法會先直接塗成黑色，上面再刷出毛的樣子，兩者作畫方式很不同。
西方藝術特有的主題：死亡、災難、人體
中國畫極少畫災難，像《風雨山水圖》風雨很大，主要反映室內安定的人們。西方災難主題多為船難，傑利柯的《梅杜莎之筏》在沙龍展出時，由於沙龍喜看美麗且偏神或、歷史的作品，此作凸顯現實苦難並不受歡迎。另外茱蒂絲、莎樂美、梅杜莎、奧菲莉亞等與死亡相關的四位悲劇女性，與歷史文學息息相關，也成為西方藝術重要創作主題。
西班牙宮廷畫家哥雅有感於拿破崙攻打過來後，屠殺西班牙百姓，於是有了《1808年5月3日的槍殺》，滿地都是血跡。中國畫則不會有這麼殘忍的作品。中國的戰爭畫，約從乾隆皇帝開始，乾隆打過很多勝仗，畫出草圖之後，藉由傳教士將草圖送至法蘭西的美術學院，做成銅版畫，所以故宮的一批戰畫是在特殊情況下產生的，傳統的中國畫裡面幾乎沒有戰畫。
先前提過中畫以線條為主，文藝復興前的西方繪畫也會勾邊線，之後才慢慢以光影方式處理。波堤切利《維納斯的誕生》細看手是有邊線的。因此更顯出達文西《蒙娜麗莎》的重要，達文西五十歲前畫的女子，大部分線條較清晰，但在畫了蒙娜麗莎後就使用透視法．或是混融手法，讓臉部慢慢地融到背景裡，這種表現方式改變了歷史。19世紀畫家安格爾，他畫過維納斯，他已經在追求畫出人體極致的美，像是古希臘造出的維納斯一樣，要畫出人世間沒有的，最美的女子形象，人體表現是西方從古希臘到當代永恆的主題，東方人卻避諱的主題。
中西繪畫的互相影響
台北故宮導覽大廳長城列的燈箱圖片《清明上河圖》，能看出人物、樹木、橋梁大小有變化，這些是透視，也出現光影，是吸收西方技法以較真實的方式呈現。
而留歐畫家徐悲鴻喜歡西方的古典，也接受中國寫意畫，他的《晨曲》畫早晨聽到鳥叫，麻雀秩序井然；同樣留法畫家林風眠的《蘆盪飛雁圖》，畫出傍晚鳥飛，鳥的造型像漢代畫像磚，這種畫法是故意將之平面化，畫中蘆葦也是一片混沌，而非清晰的。兩人創作態度不同，前者古典，後者浪漫。但中國大陸在19849之後走向徐悲鴻的路線，因為社會主義、共產主義比較喜歡寫實的繪畫。傅抱石的繪畫借鑒東洋畫，也吸收水彩畫法，但不使用中國傳統皴法去畫，是中國畫的一種創新。聞立鵬的《致太行》畫出太行山的夕照，過去中國畫是沒有光影，但這幅強烈的呈現出黃昏的光影。
西方人學的東方藝術，最早是日本浮世繪傳到歐洲，他們發現東方藝術不畫明暗相當厲害，藉由勾出線條、平塗來運用原色。法國人蘇拉熱被認為受書道影響，但他其實並未接觸日本書道，自己只是在白色畫布刷出黑線，畫出他的抽象畫。這個人確實影響台灣的書法藝術家董陽孜，董陽孜到美國留學學習油畫跟陶瓷，但看到蘇拉熱的展覽後，董陽孜回國後決定只寫書法，認為書法不只是線條，還有文字背後深刻的意義。
今日的藝術家，可以在探索世界各種藝術之後，決定自己要走什麼樣的路？因此我們談論中西藝術的異同、比較，是想透過有趣的對比，也是要引導大家對世界藝術的好奇與思考，從而進入藝術豐富多元的世界。我非常確信美是我們身心愉悅的重要元素，希望大家平時能欣賞大自然之美、生活之美，尤其是人類創造出來的藝術之美。